摘   要：在曲艺舞台上，“形堂”实际上是各种姐妹艺术的连接点或核心，即不同艺术元素的集合，形成一个统一的、有机的整体——“曲艺”同时，曲艺表演以传统文艺为基础，有其独特的表现方式。曲艺是一门深刻的艺术，在某种程度上发生了历史性的变化。近年来，由于新时期社会、经济和文化的发展，传统戏曲的保护受到了保护。而艺术作为民间文化的重要组成部分也变得越来越重要，如何保护传统戏曲，传承广大民众的关注。

关键词：美学；房地产；曲艺

1.曲艺艺术的审美特征

（1）表演技巧的普及

       在评价曲艺的质量时，人们往往以唱歌跳舞为荣。审美的首要诉求是人的审美诉求和精神愉悦。因此，在表演中，要吸取生命的精华，集中表现生命的美，创造意境，达到感染和娱乐的效果。当地曲艺表演往往发生在特定地区，因此其产生必须以当地生活为基础，与当地居民的思想观念相联系，其表现形式必须与当地居民的审美体验和审美观念相结合。辽剧《白杨下》“他们在中国的第一场演出获得巨大成功后立即大受欢迎。因此，乡下人不会感到疲倦，不仅因为这部作品最美，还因为它来自生活，易于理解。人民入侵了。如今，人们的物质生活得到了极大的改善，但作为一种地方艺术，它必须服从居民的需要，为居民所接受，为人民服务。所以他的表演技巧应该受欢迎，动作元素应该易于理解，居民应该能够接受。因此，在创作地方歌曲的过程中，推广表演技巧必须贯穿整个创作过程。

（2）表演形式的民间传说

       中国是一个多民族国家，每个民族地区都有非常深厚的文化遗产。从祭祖、婚丧、亲友聚会、工作娱乐，各种民俗都可以用来表达自己的感情和娱乐。地方民俗的形成源于国家和人民的习惯，生活习俗以风俗为主。这种习俗代代相传，使当地的民间艺术表演有了自己独特的风格。只有牢牢把握当地民风民俗，才能使地方歌曲表演充满活力。在这种形式下，曲艺将传统文艺的精髓集中在舞台上的人物身上。以曲艺为中心，吟诵演员为诗；仔细的表达是一首诗；优美的舞蹈（包括武术）是一种运动诗；华丽的妆容和服饰是色彩的诗：因此，它们构成了以表演为主要组成部分的音乐艺术诗的基本风格。因此，好的曲艺表演（包括京剧和地方戏）都是用浓茶、蜂蜜和卷轴制作的，总是能给人一种陶醉的美。这是我国广大人民群众的审美情趣。

（3）场馆开放

       民间戏剧的世界总是在民间，室内外、茶馆、餐厅等都可以搭建舞台。这是一种自由的感觉，一种自然的感觉，一种开放的感觉。民间艺术起源于草台。近年来我们把曲艺称为“草台剧团”，尤其是民间戏曲剧团。也许，在当今文学思潮日新月异的今天，戏院被称为“草台队”“草台”，是一种“场地”过时的表现。然而，在现实生活中，传统民间艺术，尤其是小歌剧，最需要这个“阵地”。如果没有地板，它将成为一种歌舞，不合时宜，地方戏剧将失去活力。

2.当代曲艺艺术的传承问题

（1）剧本数量下降

       根据《非物质文化遗产名录》，除京剧外，越剧、平剧、黄梅戏等少数剧种仍在舞台上活跃。以内蒙古为例。到2016年12月，两部北方木拍板和满族歌剧已经消失。由于传统曲艺表演的停滞和继承人的死亡，许多曲艺作品的文学受到严重破坏。

（2）过时的内容和缺乏创造力

       如今，当地传统曲艺表演的内容有些过时和僵化，许多歌剧都是“老歌剧”。一些曲艺表演基于晦涩的材料，大多是悲剧，内容与现代观众之间存在很大差距。此外，当地的曲艺语言具有地域特色，多年来流传下来的风格、声音、音乐、舞蹈和表演形式都是老式的，限制了它们的发展。

（3）人才流失和接班人缺乏

       目前，由于资金限制，管理层达不到预期的位置，基本收入难以保证，演员被拍摄并投入商业，专业表演团队被解散，存在严重的人才流失和一些问题由于福牌而失败的人也继承了遗产，随时都有可能因为老演员的去世而失去亲人。曲艺人才培养难度大，年轻人对影视有着高度的热爱；歌唱、舞蹈等艺术形式的进一步发展，以及年轻人对当地曲艺艺术缺乏适应性，挤压了传统曲艺的生存和发展空间。此外，戏剧艺术院校生源少、学费高、师资短缺、就业问题、教学方法滞后等一系列问题也成为制约曲艺发展的瓶颈。

3.曲艺艺术的传承方式

（1）培训绩效人员的责任

       民间艺术工作者应该承担起传承和保护的责任。在继承和创新之间找到平衡是一个难题。戏剧不能成为温室里的花朵，面对越来越多的竞争，她必须面对自己，爆发出来。但另一方面，不可否认的是，剧院市场位于贫民窟。如果不采取保护措施来保护这个曲艺，它只会加速它的衰落。在当前形势下，黑龙江平剧院对传统戏曲进行重新编排，造福人民，是一个明智的决定。它不仅继承和延续了优秀的传统文化，而且展现了平剧的魅力，赢得了更多的观众。同时，通过复兴经典，培养年轻演员，为未来培养大批人才。上演一部又一部正宗的经典戏剧是最好的传承和保存，而清除熔渣和后续改编则是最直接的创新。

（2）兼收并蓄，积极继承

       中国曲艺的表演风格涵盖了普通艺术家需要掌握的技能，以及其他行业的艺术技能。多样的表演风格不仅让曲艺艺术走向成熟，也为曲艺艺术家提供了学习和训练的机会。特别是在新的时代，跨行业的表演经常出现，这对曲艺艺术提出了更高的要求。作为一名艺术艺术家，他必须努力实践，积极继承美丽的传统艺术，掌握扎实的基础，熟悉各个行业的表演要求，能够透彻地理解它们，塑造和掌握人物。

（3）合理使用，延续传统

传承是曲艺发展的基础，传承的目的是延续曲艺。通过更好地理解传统程序，您可以创建一个像水中鸭子一样工作的图形。许多曲艺作品在描绘成功人物的同时，都是对传统艺术的巧妙运用，并最终达到高潮。通过对人物特点、声调和形象的分析，充分捕捉人物的思维、行为、性格和人物关系的特点，掌握人物的心理、风格、形式和艺术技巧等动态，并有效地运用于工作中，充分利用该领域的工业计划和其他工业应用。传统的表达技巧服务于角色设计，灵活运用角色来设计角色模型。延续传统意味着根据榜样的要求灵活运用和创新，赋予传统艺术形式新的活力。

（4）继承创新，注重培养

       包容有助于中国民间艺术的丰富性和深度。中国曲艺是一种融合了舞蹈、声乐等多种艺术形式的特殊艺术形式。要使角色形象成功，就必须采用传统的表演程序，要使角色生动，就必须创造性地运用多种艺术形式为角色服务。要有这样的创造力，不仅要有渊博的知识，还要有多种文化素质，不仅要全面拥抱传统艺术形式，还要对文学、艺术、心理学、美学有深刻的理解。要继承艺术，我们必须面对现实，改变观念，把创新放在议事日程上。近年来，曲艺舞台上出现了许多形式上的创新，受到了赞扬和批评，而在艺术领域也有许多反对改革的声音。这不是为了保护戏剧，而是为了阻止戏剧的发展。尽管近年来业界不断要求甚至大力支持曲艺的创新，创新转型创新不仅仅是口号，而是活生生的行动和开拓精神。它不是为了娱乐观众而添加新元素的创新，也不是为了改变一些台词和文本，也不是为了整个形式的创新。真正的创新应该体现在思想、主题和概念上当创造性思维深入人们的头脑，并将其融入到整个创作过程中时，作品就可以有现代感并征服市场。因此，并不是所有的现代戏剧都可以被认为是“创新的”从材料选择的角度来看，必须要有创造性，不仅要探索材料的现代意义，还要使历史适应当代人的价值观和审美偏好，以便在不涉及主题的情况下增加正确的创造力。其次，要有创造性，要有底线，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性，要有创造性。他很有创造力，但不要失去基础。近年来，戏剧舞台使用了各种高科技舞台技术、优美的舞蹈和大部分与戏剧本身的制作无关的声乐风格，不值得推广。曲艺作为中国传统文化的一种特殊类型，有着不同于其他艺术形式的独特魅力。它是我们国家的宝贵财富。创新关乎发展，但归根结底是传承了2000多年的传统技能的延续。如果我们忽视戏剧的本质，进行任何创新，即使我们赢得了市场和观众，它也会完全改变，甚至与戏剧的现实脱节。我们将打破有限的戏剧演唱体制，摒弃传统的戏剧形式，这是一种平衡得失的创新。

（5）改进程序性思维

       曲艺复杂多样，曲艺人物可分为生、旦、净（晚）、丑四种基本的交易，再按不同人物在作品中表现独特的人物，使人物类型多样化人物特点更加清晰，但要完全、准确地表现人物差别和个性，在细分的基础上，对具体角色要再进行具体分析、处理。从内容上来说，它是一种规范化的、艺术化的角色，而在形式上，它是一种有特定个性的表演程序，既是一种意象，也是一种程序，两者之间有联系，也有区别。由此可以看出，行业的划分是从抽象到具体的过程，是对人物性格的描述与区分，由此形成了从一般到个别、从普遍到特别的创作历程。把“普遍性”和“特殊性”、“抽象”和“具体”的关系提升到一种思考模式后，演员们不仅会从“行当”进行转变，还会从“程序”走向“程序”。传统的曲艺表演是一种学习、传授程式思维的过程，它是将人们听到、看到、感知到的角色、角色的扮相造型、曲艺音乐、演员形体、剧本体系等有形程式与无形程式（即程式思维：曲艺内容和题材处理的构成法）结合起来，演员进一步扩展、创新的学习过程，因而对程式思维的领会是传承曲艺的核心，由于程式思维源于程式，目的是让表演者更加容易、迅速地把握艺术形象基本的特征，自觉地由抽象转入具体，这个联结抽象和具象的内在规律，即无形的程式。曲艺的存在在于有形的程序，而表演是其根本，掌握了无形的程序，既要继承传统的一板一眼、一招一式，又要从这种有形的表演中领会和探索其艺术手法，体会其审美原理，探寻其艺术规律，以求创新。无形的程序是无形的结构的基础，它把实体的形式统一起来，使它的魅力完全发挥出来，这两种形式互相影响。程序思考是表演者对现实程序和人生经验的理性升华，而曲艺家为了提高自身的表演水平，则需要通过不断的练习来实现这种“理性”的升华。

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